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Citadelles & Mazenod
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Honzo Zufu : 1 livret & 10 cartes illustrées avec enveloppes
Collectif
- Citadelles & Mazenod
- 14 Mai 2025
- 9782386110542
Pochette cartonnée
Format ferme : 116 × 165 × 15 mm
A l'intérieur :
- 12 cartes doubles
(format ferme : 105 × 148 mm, papier Arena Natural smooth 300 g),
- 12 enveloppes
(115 × 162 mm, papier Arena Natural smooth 120 g),
- un livret de 24 pages
(114 × 162 mm, impression recto / verso sur papier Arena Natural smooth 120 g, reliure pique métal) avec un texte autour de l'oeuvre, l'auteur et les le gendes de taille es des planches. -
Les vélins du Muséum national d'Histoire naturelle : 1 livret & 10 cartes illustrées avec enveloppes
Collectif
- Citadelles & Mazenod
- 14 Mai 2025
- 9782386110535
Pochette cartonne e
Format ferme : 116 × 165 × 15 mm
A l'inte rieur :
- 12 cartes doubles
(format ferme : 105 × 148 mm, papier Arena Natural smooth 300 g),
- 12 enveloppes
(115 × 162 mm, papier Arena Natural smooth 120 g),
- un livret de 24 pages
(114 × 162 mm, impression recto / verso sur papier Arena Natural smooth 120 g, reliure pique me tal) avec un texte autour de l'oeuvre, l'auteur et les le gendes de taille es des planches. -
Comment l'architecture s'insère-t-elle dans l'environnement ? C'est à ce questionnement essentiel et d'une vive actualité que ce livre propose de répondre à travers des projets internationaux novateurs.
Depuis quelques années, les architectes ont en effet engagé une vaste réflexion visant à repenser les espaces au sein des villes, que ceux-ci soient collectifs (esplanade, parc, voirie etc.) ou individuels (habitats), pratiques, culturels ou mémoriels. Il s'agit ainsi de reconsidérer la place de l'Homme dans son environnement et de réapprendre à vivre en harmonie avec la nature.
Couvrant les cinq continents à travers plus de 300 projets, cet ouvrage met en valeur ces magiciens des lignes qui dessinent le monde de demain, alliant des matériaux modernes et locaux , ainsi qu'une architecture traditionnelle et innovante.
Doté d'une iconographie variée permettant de saisir le processus de réalisation de ces ensembles architecturaux (plans, dessins et photographies), chaque projet fait l'objet d'une notice explicative. -
Datée de plus de 35 000 ans, la grotte Chauvet (Ardèche) est la plus ancienne des grottes ornées connues en Europe. Son état de conservation exceptionnel permet d'admirer des fresques pariétales d'une envergure impressionnante et d'une rare beauté qui lui valent d'être considérée comme le premier chef-d'oeuvre de l'humanité.
La vaste cavité (8500 m2) renferme un millier de traces humaines et animales dont 500 dessins noirs, rouges et gravés, d'animaux (mamouths, ours, loups, chevaux, lions des cavernes, rhinocéros, bisons, aurochs ...) mais aussi des signes - ponctuations, tracés digitaux -, et de nombreuses mains en positif et négatif.Des empreintes animales et humaines ont également été mises au jour ainsi que des ossements,des silex, des traces de foyers. Autant de vestiges relatant la vie symbolique des chasseurs-cueilleurs de l'époque aurignacienne qui ont investi cet espace. Ils révèlent d'étonnantes découvertes sur nos ancêtres Homo sapiens ; leur étonannte capacité d'adaptation à l'environnement, leurs relations au monde animal, des factultés d'invention et d'imagination tout à fait comparables aux nôtres.
Des données scientifiques (datation, topographie, relvés, modélisations 3D ...) à l'interprétation anthropologique, cette étude actualisée offre au lecteur une immersion passionnante dans le monde paléolithique. -
Mode et estampe japonaise
Anna Jackson, Masami Yamada
- Citadelles & Mazenod
- 16 Octobre 2024
- 9782386110283
LE LIVRE
À partir de la fin du XVIIIe siècle, alors que la société japonaise bénéficie d'un essor économique sans précédent, l'art et la manière de se vêtir connaissent un fort engouement. Signe d'appartenance sociale et de richesse, le vêtement devient un véritable phénomène de la mode. Largement diffusée, l'estampe ukiyo-e ("image du monde flottant"), qui s'attache à dépeindre les plaisirs du quotidien, se fait l'écho de ce nouveau goût pour l'apparence. Elle va jouer un rôle important comme outil de promotion des modèles vestimentaires mais également comme source d'inspiration pour les ateliers de conception.
Rivalisant d'élégance, voire d'extravagance, samouraïs, acteurs de kabuki, geisha et courtisanes prêtent leurs silhouettes à l'exhibition de somptueuses toilettes. Kimono, obi, furisode, haori ou kakimisho, soigneusement réhaussés d'une pléiade d'accessoires (chaussures, peignes, épingles à cheveux), montrent l'extrême sophistication des parures. Les planches reproduites dans ce livre illustrent les différentes techniques utilisées afin de magnifier ces vêtements éblouissants : shibori (tissu lié ou cousu qui était plongé dans un bain de tenture), kaki-e (peinture directe sur le tissu) ou encore katazome (dessin appliqué au pochoir).
Les artistes composent ainsi un répertoire de tenues aux couleurs chatoyantes, alliant l'harmonie des lignes à la délicatesse des motifs. Issues des riches collections du Victoria and Albert Museum, plus de 200 estampes des grands maîtres du genre (Utamaro, Kunisada, Kuniyoshi et Keisai Eisen ...) témoignent par leur flamboyance et leur raffinement de cette éblouissante culture de la mode à la fin de la période Édo. -
Le style Art Déco : Grands créateurs et collectionneurs
Alastair Duncan
- Citadelles & Mazenod
- 9 Octobre 2024
- 9782386110306
LE LIVRE
Depuis ses origines aux lendemains de la Première Guerre mondiale, l'Art déco se diffuse rapidement à l'échelle internationale grâce à une clientèle fortunée désireuse de singulariser ses intérieurs avec un mobilier avant-gardiste et de luxueux objets. Les grands noms de la mode française (Jacques Doucet, Jeanne Lanvin, Madeleine Vionnet) et de riches collectionneurs (la duchesse d'Albe, Georges et Florence Blumenthal, le Maharaja d'Indore...) sont séduits par son modernisme, l'épure de ses formes, la préciosité de ses matériaux, le rafinement de son ornementation.
L'appellation actuelle d'"Art déco" voit le jour lors de sa renaissance dans les années 1960. Karl Lagerfeld et Yves Saint Laurent comptent parmi les illustres passionnés d'un style qui s'inscrit dans une tradition d'élégance française qui leur est chère. Enfin, une troisième génération de collectionneurs investit les salles de vente dans les années 1980 et 1990, en quête des créations et des signatures les plus convoitées.
Illustré des réalisations légendaires d'Eileen Gray, Paul Iribe, Antoine Bourdelle, Armand-Albert Rateau ou Jean Dunand, cet ouvrage rédigé par un éminent spécialiste nous invite à la rencontre des figures majeures, amateurs et designers, qui ont marqué l'histoire de l'Art déco, un style dont l'attrait s'exerce encore puissamment de nos jours. -
Artemisia Gentileschi (1593-vers 1654) est ce le bre e comme la premie re femme peintre de l'histoire de l'art. Forme e par son pe re a Rome, admise a l'Acade mie de dessin de Florence, be ne ficiant de commandes toujours plus nombreuses, elle est la premie re artiste a vivre de sa cre ation. Bravant les usages qui re servent aux femmes la seule pratique du portrait, elle exe cute de remarquables peintures d'histoire parmi lesquelles la saisissante Judith de capitant Holopherne, inspire e du Caravage.
Au-dela d'une histoire personnelle jalonne e de trage dies, cette monographie renouvele e la pre sente en activite aupre s de ses commanditaires, au sein des cercles artistiques qui l'entourent et dans ses lieux successifs de re sidence, de Rome a Naples en passant par Florence, Venise et Londres.
Elle pre sente l'ensemble des peintures de l'artiste authentifie es a ce jour (dont re cemment Le Triomphe de Galate e, David et Goliath, Lucre ce), les oeuvres restaure es et des ine dits dont La Charite romaine. -
« Une peinture n'est pas la repre sentation d'une expe rience. C'est l'expe rience me me. »
Mark Rothko
Mark Rothko, apre s son installation aux E tats-Unis, commence a peindre au de but des anne es 1930. Si ses oeuvres figuratives du de but sont marque es par l'influence de la mythologie antique et du surre alisme, il s'oriente de s les anne es 1940 vers une esthe tique abstraite avec sa se rie des Multiformes, puis celle des Classiques et des Black and Grays.
Ses couleurs sature es aux formes flottantes et expansives invitent a une expe rience sensible, tactile, laissant au spectateur sa part de cre ation dans l'oeuvre. Cette vision du peintre aspire a un langage universel s'adressant a tous, loin de l'intellectualisation et des processus techniques de re alisation.
Derrie re un apparent myste re et un caracte re insaisissable empreints de spiritualite , ses toiles convient par leur impact e motionnel a interroger l'horizon de nos origines, de notre destine e, de notre existentialite .
« Les oeuvres de Rothko sont des tableaux vivants ! C'est un art habite par l'observateur, anime et constamment revivifie par des vivants. » (Christopher Rothko) -
LE LIVRE
Comment les peintres ont-ils affronté ce défi que représente la peinture du ciel ? De quelle manière en effet rendre ce mixte d'air et d'eau, cette presque immatérialité de l'atmosphère, cette profondeur infinie qui semblent en contradiction avec l'épaisseur de la matière picturale et la frontalité du tableau ?
Explorant un sujet qui n'avait jusqu'alors pas fait l'objet d'une approche globale, l'auteur étudie ces questions tant d'un point de vue artistique, en mettant notamment l'accent sur le traitement de la lumière, de la perspective et de la couleur, que d'un point de vue historique. Du motif céleste comme espace divin au ciel comme expérience pleinement picturale, il parcourt la peinture occidentale du Moyen Âge à l'époque contemporaine, des mosaïques byzantines au paysagisme abstrait.
Riche d'arguments techniques, esthétiques, philosophiques, scientifiques et théologiques, ce livre ouvre une vaste réflexion sur un sujet passionannt. Invitation à la contemplation, aux rêveries littéraires et poétiques, il convie aussi le lecteur à une magnifique envolée artistique - entre ciels limpides et ciels tempétueux, ciels de l'aube et ciels nocturnes -, sous l'éclairage des grands maîtres de la peinture.
"Je veux maintenant absolument peindre un ciel étoilé. Souvent il me semble que la nuit est encore plus richement colorée que le jour, colorée des violets, des bleus et des verts les plus intenses. Lorsque tu y feras attention tu verras que certaines étoiles sont citronnées, d'autres ont des feux roses, berts, bleus, myosotis."
(Lettre de Van Gogh à sa soeur Wilhelmina, septembre 1888)
L'AUTEUR
Daniel Bergez est agrégé de l'Université, docteur d'État ès lettres et sciences humaines et spécialiste des études littéraires. Depuis quinze ans, ses travaux et publications portent sur les rapports entre littérature et peinture : Littérature et peinture (A.Colin), Peindre, écrire. Le dialogue des arts (La Martinière) ; et sur les peintres : Le Salon et ses artistes (Hermann), Gao Xin Jian, peintre de l'âme (Seuil).
Il a déjà publié chez Citadelles & Mazenod Écrire l'amour, Peindre le rêve, Écrire la nature et Écrire la mer. -
LE LIVRE
L'artiste néerlandais Piet Mondrian (1872-1944) aura patiemment et méthodiquement, élaboré une oeuvre picturale et théorique considérable qui, par son exigence et sa quête de l'absolu, continue d'exercer sa fascination sur l'art d'aujourd'hui.
Naître à la fin du XIXe siècle dans une petite ville provinciale du Nord-Est des Pays-Bas, au sein d'une famille calviniste, laissait peu de place à la liberté intérieure et à la découverte d'un monde différent. Mais Piet Mondrian a connu sa vocation très jeune. En Zélande, en 1908, ses premiers thèmes sont déjà fixés : l'église, le phare, les dunes, la mer. Horizontales et verticales, indéfiniment répétées, les lignes dessinent une nouvelle vision du monde. Une première installation à Paris, entre 1912 et 1914, conforte ses convictions. Le cubisme de Bracque et de Picasso, détaché de tout illusionnisme, concentré sur une géométrisation des formes simples, le convainc de franchir le pas de l'abstraction. Dès 1913, la grille de lignes horizontales et verticales croisées se substitue à toute référence figurative pour exprimer "la vérite en peinture" et "la beauté générale". Les titres des oeuvres sont abolis, au profit d'une stricte numérotation qui systématise sa pratique sérielle.
Théorisée à travers de nombreux textes et par le biais d'une revue, De Stijl (Le Style), sa nouvelle plastique, fondée sur le rapport primordial de l'angle droit est un véritable dogme dont Mondrian ne s'écartera plus. Mais son ambition ne s'est jamais arrêtée aux dimensions étroites du tableau. Artiste visionnaire, utopique, ilk a rêvé d'un monde nettoyé de toute esthétique traditionnelle et transformé par le néoplasticisme. -
Peintre, architecte et historien italien, Giorgio Vasari (1511-1514) est considéré comme le fondateur de l'histoire de l'art. Dans les Vies - Le Vite de' piu eccellenti pittori, scultori e architettori -, il dresse magistralement un portrait du contexte culturel et artistique de la Renaissance italienne. Il associe, pour chaque artiste, le récit de la vie avec le catalogue des oeuvres, mais, pour la première fois, l'ensemble est conçu dans une réflexion globale sur le ressort des trois arts (peinture sculpture et architecture), sur le sens de leur histoire du XIIIe au XVIe siècle. Vasari s'est consacré à un véritable travail d'historien, parcourant toute l'Italie et fréquentant les ateliers pour recueillir des témoignages de première main. L'ouvrage, paru une première fois en 1550, est réédité en 1568 à Florence et comprend au final 164 biographies. Le rôle des artistes italiens dans l'histoire de l'art européen est mis en valeur avec une autorité qui marquera longtemps l'historiographie.
Dans ce livre sont illustrées trente-cinq Vies, les plus célèbres, de Vasari. De Cimabue à Titien, en passant par Léonard de Vinci, Raphaël et Michel-Ange, revisitons le panthéon des maîtres de la Renaissance à l'aune de ce grand texte classique.
D'après la traduction de Léopold Leclanché (1839-1842).
POINTS FORTS - un monument de la littérature artistique pour la première fois superbement illustrée - une anthologie représentative qui regroupe à la fois peintres, sculpteurs et architectes - du XIIIe au XVIe siècle, une histoire de la Renaissance artistique italienne à travers ses chefs-d'oeuvre - un texte étonnant, un récit enlevé et vivant ponctué d'anecdotes qui nous entraîne dans l'intimité des artistes et se lit comme un roman
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Les arts moghols
Jean-Baptiste Clais, Corinne Lefèvre
- Citadelles & Mazenod
- 16 Octobre 2024
- 9782386110337
LE LIVRE
Cet ouvrage vous invite à découvrir le fascinant empire moghol (1526-1857), dont l'histoire et la richesse culturelle, sociale et politique sont encore largement méconnues en France.
Descendants du Monghol Gengis Khan (vers 1165-1227) et du Turc Tamerlan (1336-1405), les souverains moghols étaient originaires d'Asie centrale mais ils en furent chassés par les Ouzbeks au début du XVIe siècle. C'est à partir de Kaboul que Babur, le fondateur de cette dynastie musulmane, se lance victorieusement à la conquête de l'Inde du Nord en 1526.
D'Agra à Delhi, en passant par Fatehpur Sikri ou encore Lahore, les nombreux chapitres thématiques de ce livre nous ouvrent les portes d'un voyage culturel et artistique aux confins de l'Asie. Mettant en lumière la richesse de cette histoire pluriséculaire, l'ouvrage s'ouvre par une mise en perspective. La première partie retrace les multiples échanges des arts moghols avec le reste du monde et leur diffusion à travers le sous-continent et au-delà. Elle décrit également la fabrication des oeuvres, leurs créateurs, leurs techniques, les lieux où ils opèrent, ainsi que les marchés et les formes d'économie dans lesquels ils s'inscrivent. Enfin, elle souligne les pratiques des élites mogholes en tant que collectionneurs d'art.
La deuxième partie est consacrée à la vie de cour, dont elle présente toute la magnificence. Au-delà de l'incontournable Taj Mahal, les pages de ce livre dévoilent les splendeurs de l'architecture palatiale et funéraire moghole. S'y côtoient par ailleurs quantité de magnifiques objets d'art et d'artisanat, des plus célèbres comme le diamant Kuh-i Nur jusqu'aux plus insoupçonnés (textiles, arts de la table, bijoux, etc.), en, passant par d'incroyables spécimens d'armes et d'instruments de mesure. Enfin, la part belle est faite aux arts du livre, l'ouvrage offrant aux lecteurs une sélection de remarquables manuscrits conservés dans diverses institutions publiques et privées en Europe, aux États-Unis ou en Inde.
Rédigée par une équipe internationale et pluridisciplinaire, cette somme scientifique abondamment illustrée vous convie à explorer les fastes et les merveilles de l'étonnante mosaïque qu'est l'empire moghol. -
Le Louvre-Lens : Histoires d'un musée en partage
Annabelle Ténèze, Hélène Bouillon, Manuel Cohen
- Citadelles & Mazenod
- 9 Avril 2025
- 9782386110474
LE LIVRE
Inauguré en 2012, le Louvre-Lens - unique antenne française du Louvre en dehors du musée parisien - rayonne au coeur du bassin minier du Nord-Pas-de-Calais, véritable trait d'union entre le passé et l'avenir.
Au centre de ce bâtiment, de verre et de lumière et aux lignes épurées, chef-d'oeuvre de l'agence d'architecture Sanaa, se déploie la Galerie du Temps, un espace de 3000 m2 conviant les visiteurs à un voyage à travers 5000 ans d'histoire de l'art. Le 4 décembre 2024, cet espace inédit fait peau neuve proposant un nouveau parcours renouvelé présentant des oeuvres majoritairement issues du Lovure, où dialogueront les époques, les techniques et les civilisations.
De la Mésopotamie à l'Égypte antique, du Quattrocento italien à la Renaissance française ou bien des arts de l'Islam aux sculptures africaines, ce novuel espace muséographique, libre et décloisonné, invite à découvrir certaines des plus belles créations de l'humanité. En un seul regard, la beauté du monde s'offre à vous.
L'occasion de découvrir ou redécouvrir ce lieu emblématique, dont l'artchitecture et son magnifique parc de 20 hectares, création de la paysagiste Catherine Mosbach, sont parcourus par 500 000 visiteurs chaque année.
Illustré par une campagne photographique inédite, cet ouvrage permet non seulement de découvrir ces nouvelles oeuvres, mais propose également de revenir sur la genèse et les temps forts de ce lieu incontournable. Enfin, les liens indéniables tissés entre le musée, le bassin minier et ses habitants sont également mis en lumière. -
LE LIVRE
Lire Les Mille et Une Nuits, c'est pénétrer un Orient enchanté. C'est passer la porte du plus merveilleux palais qu'ait jamais édifié l'imagination des hommes.
La princesse Schéhérazade - condamnée à raconter de palpitantes histoires à son époux, le roi Schahriar, pour qu'il lui épargne la vie - nous livre les récits d'amours impossibles où se côtoient fripons malentionnés et califes irrascibles, mais aussi ceux de voyages extraordinaires aux confins des mers et dans les profondeurs sous-marines ; sans oublier les mythiques génies, bienfaisants ou maléfiques, qui font et défont la fortune de ceux qui les croisent, les créatures fabuleuses qui parsèment la narration de leur magie salvatrice ou de leur folie meurtrière ... Un fabuleux voyage dans l'espace et dans le temps non dénué de morale et de philosophie.
Conçues du VIIIe siècle au XVIIIe siècle, enrichies au fil de la tradition orale, Les Mille et Une Nuits trouvent leur forme actuelle au siècle des Lumières avec leur premier traducteur en langue occidentale, Antoine Galland (1646-1715) ; puis Joseph-Charles Mardrus (1868-1949) en livre une nouvelle version qui fera l'objet des louanges des écrivains de la Belle Époque et ravivera le mythe des Mille et Une Nuits. -
LE LIVRE
Dans un monde dominé par le matérialisme, le progrès scientifique et les conséquences de la révolution industrielle, le symbolisme constitue un ensemble de manifestations poétiques et artistiques qui invoquent le droit au rêve et le retour à l'intériorité. À partir de la fin des années 1880, peintres, sculpteurs, écrivains et musiciens se détournent du réel pour questionner l'invisible et approfondir une représentation idéaliste du monde. À travers des pratiques et des recherches esthétiques aussi variées que singulières, les symbolistes parviennent, comme l'écrit Tancrède de Visan, "à résoudre l'équation : tout ce qu'on voit, plus tout ce qu'on ne voit pas".
De Gustave Moreau à Paul Gauguin et à Gustav Klimt, d'Edvard Munch à Odilon Redon et à Stéphane Mallarmé et d'Auguste Rodin à Claude Debussy, ce sont deux générations de créateurs qui, jusqu'à la veille de la Première Guerre mondiale, témoignent de ce moment de civilisation où l'on aura jamais autant exploré les ressorts cachés de l'art et de la vie. Maillon essentiel de l'histoire de l'art, le symbolisme constitue à la fois l'examen de conscience d'un siècle troublé et l'une des sources essentielles des avant-gardes.
Codirigé et rédigé par des spécialistes éminents de l'art de la fin du XIXe siècle, ce livre donne la première place aux oeuvres, point de départ de toute analyse. Il comble ainsi un manque de la bibliographie déjà ancienne. Les images symbolistes parlent, parfois mystérieusement : cet ouvrage permet d'entendre leur message empli d'humanité et de richesse visionnaire. -
Le sport dans l'art
Yann Descamps, Georges Vigarello
- Citadelles & Mazenod
- 10 Avril 2024
- 9782386110016
De l'activité ludique à la compétition, le sport sous toutes ses variations est constitutif de nos sociétés occidentales. Aussi est-il peu surprenant que, dès l'époque antique, les artistes se soient saisis de ce motif. Posant au corps le défi de ses limites physiques, le sport est aussi, à sa manière une gageure plastique - ô combien stimulante et féconde. Comment figurer des gestes à la fois singuliers et multiples, restituer la dynamique des mouvements, représenter la tension de l'effort, l'élan du dépassement ...
À la lumière d'une vaste approche chronologique, de l'Antiquité à nos jours, cette somme, richement illustrée, envisage autant une étude des esthétiques suscitées ou convoquées par le sport qu'une histoire culturelle de la pratique sportive à travers ses images les plus fameuses, mais aussi sous l'éclairage d'une iconographie moins connue. Des lutteurs athéniens aux sprinteuses contemporaines - en passant par les tournois de chevalerie, la chasse, les jeux de balles, l'escrime, l'équitation, le tir à l'arc, la boxe, le patinage, le tennis, le cyclisme, le football, sans oublier la natation, l'alpinisme, le cricket et les courses automobiles -, c'est une vision inédite du sport qui est proposée au lecteur.
Démonstration de prestige, longtemps apanage des élites, l'activité sportive a gagné progressivement les milieux populaires jusqu'à devenir à l'époque moderne une voie d'émancipation, associée à un large mouvement de démocratisation, alors que se précisent les modalités compétitives (championnats, concours, jeux Olympiques) et la recherche toujours plus poussée de la performance.
De la statuaire grecque au manga, les artistes témoignent avec une inventivité sans cesse renouvelée de plus de deux millénaires d'une épopée sportive passionnante. -
L'art du dessin : Les processus de création
Eric Pagliano
- Citadelles & Mazenod
- 26 Mars 2025
- 9782386110436
LE LIVRE
L'enjeu passionnant de cet ouvrage est de revenir au triple du mot dess(e)in : celui de projet, de recherche, d'étude, de pensée (sens intellectuel), tout comme celui de ligne, de délinéation, de surface (sens formel) à l'aide du crayon, de la plume, du pinceau (sens matériel).
Écartant une approche classique par siècles et par écoles (l'école italienne et ses subdivisions régionales, l'école française, l'école nordique etc.), l'auteur mène une investigation approfondie à partir des pratiques d'atelier et des procédés de recherche graphique employés par les dessinateurs pour étudier les formes à venir de leur composition. De la première pensée à l'esquisse aboutie, c'est toute la genèse des oeuvres qui se dévoile sous nos yeux.
Privilégiant une présentation thématique, de la fin du Moyen Âge au XXe siècle, les "dessins de maître" convoqués redonnent au médium sa dimension exploratoire et préparatoire à une oeuvre d'art, qualité jusqu'ici peu étudiée.
Plus de 300 feuilles, certaines regroupées en séquences démonstratives à l'aide de dépliants - dont La Madone au long cou du Parmigianino et Les Demoiselles d'Avignon de Picasso - étayent cette captivante immersion dans le laboratoire de la création artistique. -
LE LIVRE Manuscrit monumental précieusement conservé à la Bibliothèque nationale de France, le Beatus de Saint Sever a été réalisé au XIe siècle dans l'abbaye gasconne du même nom. Son commanditaire, l'abbé Grégoire de Montaner, en a minutieusement orchestré la conception. Le manuscrit se compose d'un ensemble de textes en latin et d'images organisé autour de l'Apocalypse de saint Jean commentée par un moine espagnol du VIIIe siècle, Beatus de Liébana. Le cycle iconographique, près de cent peintures, est l'un des plus importants que nous ait légués le Moyen Âge. Par leurs couleurs vives, leur ornementation foisonnante et leur esthétique disruptive, ces somptueuses illustrations ont immédiatement suscité une fascination qui perdure encore aujourd'hui. La passionnante étude collective menée dans cet ouvrage rend compte de toute la richesse et de toute la complexité de ce trésor patrimonial, une oeuvre totale qui, comme tous les chefs-d'oeuvre, a été et demeure encore une source d'inspiration féconde.
LES AUTEURS
Charlotte Denoël est archiviste paléographe, docteure en histoire de l'art et conservatrice en chef au département des manuscrits de la Bibliothèque nationale de France. Ses recherches portent sur les manuscrits et l'enluminure du premier Moyen Âge, l'histoire des bibliothèques médiévales, ainsi que sur les liens entre l'art médiéval et l'art contemporain.
Avec les contributions de Xavier Barral i Altet, Isabelle Marchesin, Pascale Bourgain, Maria Stravinaki et Emmanuelle Vagnon. -
LE LIVRE Quelques années après sa mort, Rembrandt van Rijn fut accusé par l'avocat et dramaturge néerlandais Andries Pels d'avoir été le premier hérétique de l'art de peinture. Il met notamment en cause la manière insuffisamment idéalisée dont le peintre a représenté les corps féminins, mais aussi le mépris que Rembrandt affichait à l'égard des modèles antiques et des grands maîtres de la peinture européenne.
À rebours de cette approche, cet ouvrage propose de prendre au sérieux les propos de Pels, en les rapportant aux choix de Rembrandt, qui, durant sa vie et sa carrière, n'a jamais cessé d'affirmer sa singularité vis-à-vis de ses maîtres et de ses contemporains.
Cette singularité biographique et artistique est envisagée dans cet ouvrage à travers la notion d'originalité qui, depuis l'Antiquité et, a fortiori, à partir de la Renaissance et des prémisses de ce qui constituera, au XVIIe siècle, la Querelle des Anciens et des Modernes, devient l'un des enjeux centraux de la critique poétique, rhétorique et artistique. En se présentant comme un peintre et un graveur original, qui fait valoir la primauté de ses choix artistiques, l'authenticité de ses oeuvres et le caractère inimitable - et odnc sans cesse imité - de sa manière, Rembrandt jette ainsi les bases d'une nouvelle conception de la peinture, où la critique des règles de l'art et les enjeux associés à la visibilité du génie se heurtent de façon volontairement polémique aux principes de l'imitation. -
Loin de se limiter a la description du réel, les artistes réalistes ont eu a coeur de l'interpréter, afin d'offrir au public de nouvelles clés de lecture du monde. Si ce mouvement, né dans les années 1830- 1840, avant de prendre son essor sous la Révolution de 1848, paraît aujourd'hui bien sage, Courbet et d'autres peintres - Honoré Daumier, Jean-François Millet, Rosa Bonheur... - le pensèrent comme une opération de transgression ostensible et scandaleuse. C'est au début du xIxe siècle qu'apparaissent, marquéees notamment par la découverte de l'art espagnol, les premières peintures réalistes dépeignant les habitants des provinces françaises (Bretagne, Vendée, Pyrénées, etc.) dont certains peintres s'attachent a représenter tant les costumes que les coutumes.
Admiré ou critiqué pour sa capacité à montrer sans détour et parfois avec brutalité le monde qui nous entoure, cet art éminemment social et politique s'intéresse en effet aux sujets « ordinaires » (paysans, blanchisseuses, etc.). Face à une société en pleine industrialisation et confrontée à un exode rural important, la vie domestique, le monde paysan, les pratiques religieuses et communautaires proposaient ainsi des sujets rassurants empreints d'harmonie et de calme. A contrario, à la fin du siècle, la peinture réaliste mettra en lumière la modernisation industrielle de l'Europe et les conflits sociaux et politiques liés aux droits des travailleurs. Loin de se cantonner à la France, Bertrand Tillier s'attelle également à démontrer le rayonnement de ce mouvement à l'échelle internationale dans les années 1860-1870, que ce soit en Angleterre, en Allemagne (Hans Thoma, Adolph von Menzel, Wilhelm Leibl, etc.) ou encore en URSS (Ilya Répine) et aux États-Unis (Thomas Eakins ou Winslow Homer).
Rédigé par l'un des spécialistes les plus éminents de l'art du xIxe siècle et comprenant pas moins de 320 illustrations, l'ouvrage propose une analyse captivante sur cette esthétique subversive qu'est le réalisme. -
Ikebana : L'art floral au Japon
Frédéric Girard
- Citadelles & Mazenod
- Coup De Coeur
- 10 Avril 2024
- 9782386110078
L'ikebana est l'art ancien de la composition florale, fonde- ment de la culture japonaise, au me me titre que l'art de la ce re monie du the . Ce traite illustre l'enseignement de l'ike- bana, la technique de recherche harmonieuse entre parties ve ge tales (feuillages divers, roseaux, herbes, etc.), plantes, fleurs, branches et souches a travers des compositions de vases. La coutume de de poser des fleurs sur l'autel des temples a commence en 538 apre s J.-C. lorsque les moines chinois ont introduit le bouddhisme au Japon. Les arrange- ments de fleurs e taient re alise s pour les rites et ce re monies religieuses, dans un espace consacre . A l'origine pratique par les hommes - durant des sie cles, les samourai s l'ont tenu en haute estime -, l'art des compositions florales atteignit son apoge e au xvIe et surtout au xvIe sie cle. Pre tres, lettre s, poe tes et artistes, aristocrates et guerriers, riches citadins fuyant les soucis quotidiens e taient les adeptes fervents de cette forme merveilleuse de retour en soi-me me, me lant esthe tique et spiritualite .
Parmi les diffe rentes re gles et e coles apparues dans l'histoire de l'ikebana, est illustre ici le style traditionnel formel rikka de l'e cole originelle ikenobo , caracte rise par la pre sence de branches et de fleurs dresse es, avec une verticalite marque e et dans lequel la beaute d'un paysage naturel s'exprime dans un seul vase. Ces arrangements floraux des grands mai tres du courant du Rokkaku-do et de leurs disciples [a partir de l'e poque du shogunat des Ashikaga (1336-1573)] ont e te compile s et e dite s par Igai Sansaemon en 1673 a Kyo to ; ils sont imprime s de fac on xylographique et colore s a la main selon la technique de l'aquarelle appele e gansai. -
Née en novembre 1887 dans le Wisconsin, Georgia O'Keeffe étudie à l'Institut d'art de Cicago et à la Ligue des étudiants en art de New York. Figure incontournale du cercle d'Alfred Stieglitz, éminent photographe et galeriste new-yorkais dont elle sera la muse et la compagne, elle est au centre de l'effervescence de l'art américain au début du XXe siècle.
Tout au long du siècle, elle dessine en pionnière une voie qui lui est propre, entre figuration et abstraction, modernisme et primitivisime, végétal et minéral, nature et architecture. Ses vues urbaines, ses fleurs, ses paysages hypnotiques - rives sylvestres du Lake George, plaines et canyons du Texas, panoramas désertiques du Nouveau-Mexique ... -, ses squelettes et os d'animaux, souvent en gros plans, forment des motifs récurrents qui s'inscrivent dans un courant biomorphique et subjectif en rupture avec l'abstraction géométrique.
À travers cette monographie de référence, Citadelles & Mazenod invite ses lecteurs à célébrer l'originalité et la singularité d'une artiste visionnaire, en présentant un panorama iconographique d'une ampleur sans précédent. -
L'art du livre
Michel Melot, Anne Zali
- Citadelles & Mazenod
- L'art Et Les Grandes Civilisations
- 25 Octobre 2023
- 9782850889318
53e volume de la collection "L'Art et les grandes civilisations" des éditions Citadelles & Mazenod, cet ouvrage offre à l'art du livre une place de choix au sein de la création artistique mondiale. Un choix éditorial dicté par le fait que le livre demeure une forme pensante et que son histoire relève de l'histoire des arts. Mais aussi parce qu'il y a à célébrer le livre dans la diversité significative de ses formes et de ses formats, toujours miraculeusement adaptés à la mesure d'un corps humain : olles indiennes ou tibétaines, tablettes d'argile mésopotamiennes, rouleaux de soie, de papier, de papyrus ou de cuir, assemblages de cahiers de parchemin cousus, le livre traverse toutes les cultures.
Après plus de quarante siècles d'existence, il semble qu'il n'ait rien perdu de son éclat, de son inépuisable énergie. Et enfin, parce qu'à la croisée des savoir-faire et des savoirs, de la matière et de l'esprit, l'art du livre est un savoir-faire polyphonique ou le Verbe mis en scène se donne à voir, à toucher, à respirer, à entendre, un art de l'espace et du temps qui convoque tous les sens et produit par leur synergie une forme de restauration paradisiaque.
Réunissant les chefs-d'oeuvre des plus grandes bibliothèques à l'échelle mondiale ainsi que d'institutions privées, ce livre sans équivalent par sa vision globale et la richesse de son iconographie commentée est amené à être la somme de référence sur un objet aux multiples facettes et chargé d'une forte portée symbolique.
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LE LIVRE La représentation du corps considéré en quelque sorte dans son état essentiel, c'est-à-dire nu, apparaît consubstantielle à l'histoire de la figuration humaine. Elle n'a pourtant pas été le fait de toutes les latitudes ni de toutes les époques. D'autres y ont vu, au contraire, le support privilégié de leurs idéaux culturels, sociaux voire religieux et, au-delà, de leur vision ontologique elle-même. La tradition figurative artistique occidentale se signale ainsi par une récurrence spectaculaire de la représentation du corps nu de l'homme, de la femme et de l'enfant, spécificité que les grands musées d'art d'Europe ou d'Amérique du Nord permettent de vérifier avec éclat.L'histoire de la nudité dans l'art couvre en Occident un ensemble vertigineux de siècles interrompu par la parenthèse médiévale. L'un des objets de ce livre est d'étudier comment la légitimation du Nu a pris son essor, s'est imposée, et comment elle est aujourd'hui entrée en déclin au point de devenir inintelligible à une part croissante de nos contemporains.
Les différents récits « fondateurs » de la civilisation héllenique font ici l'objet d'une attention particulière. Il s'agit d'étudier tout d'abord la fortune de ce legs au fils des siècles et comment il parvint à fusionner avec une religion chrétienne fondée sur le dogme de l'Incarnation qui absorba tout ce qui était assimilable au sein de l'héritage païen. Sont exposés ensuite les heurs et malheurs de la représentation du corps nu jusqu'à notre époque fertile en débats et en vives controverses sur un sujet - la représentation de la corporalité - qui paraît devoir être soustrait perpétuellement à la banalité.
