Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
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Tatiana trouvé
Thierry Davila, Françoise Ninghetto
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 23 Février 2022
- 9782940656080
Une relecture de l'oeuvre de Tatiana Trouvé à partir de sa pratique du dessin.
La collection du MAMCO conserve nombre d'oeuvres de Tatiana Trouvé, une artiste apparue sur la scène de l'art à la fin des années 1990. Il y a d'abord Prepared Space dont il existe deux versions (2014 et 2020) : il s'agit d'une salle entière recouverte de panneaux de bois blancs qui spatialise une manière de carte de navigation inscrite dans ses murs et dans son sol. On y fait l'expérience d'une désorientation en même temps que d'un rapport à la linéarité : les lignes sur lesquelles nous marchons sont celles d'un vaste dessin spatialisé. Il y a ensuite toute la collection des copies de dessins, au total près de 350 items, disponibles dans un module précisément conçu par Trouvé. Cet ensemble imposant donne à voir le laboratoire de l'oeuvre, son coeur actif en même temps que son instance régulatrice. Il y a enfin un second module, dédié aux correspondances de l'artiste. Autant de moments de son oeuvre, étudiés ici d'une manière détaillée par Françoise Ninghetto et Thierry Davila, qui font de l'univers graphique de Trouvé un élément clé d'une entreprise artistique marquée du sceau de l'intimité et de l'exploration administrative de la mémoire.
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Franz Erhard Walther : l'autre conception de l'oeuvre
Thierry Davila, Erik Verhargen
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 13 Février 2020
- 9782940656028
Une analyse détaillée d'un corpus majeur de l'artiste allemand par Erik Verhargen, accompagnée d'un historique de la pièce établi par Thierry Davila.
Présentée quasiment en continu depuis l'ouverture du MAMCO au public, l'oeuvre de Franz Erhard Walther y occupe une place singulière. Celle-ci est structurée par l'Ensemble d'oeuvres no 1 (1. Werksatz), soit 58 objets en tissu cousu et activables, dont l'impact historique est unique sur la scène de l'art depuis les années 1960.
Cet ouvrage s'attache à l'étude systématique et détaillée de ce corpus à travers une ample analyse d'Erik Verhagen. Elle est complétée par un historique, rédigé par Thierry Davila, de la présentation de l'oeuvre de Franz Erhard Walther au MAMCO. Au total, cette publication est l'une des toutes premières, disponible en français, à être consacrée à une figure majeure de l'art actuel.
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Olivier Mosset
Paul Bernard, Lionel Bovier, Marcia Hafif, Vincent Pécoil, Arnauld Pierre
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 20 Janvier 2021
- 9782940656042
Un panorama complet de la pratique picturale d'Olivier Mosset sur six décennies.
Olivier Mosset est devenu une référence incontournable pour plusieurs générations de peintres abstraits suisses, européens et américains. Avec une conscience aigüe de l'histoire, la radicalité de son art ne cesse d'interroger la peinture, et les moyens dont celle-ci dispose pour résister aux assauts répétés du spectacle et de la réification. A l'occasion de la rétrospective que lui consacre le MAMCO, la publication revient sur les différentes étapes de sa carrière, de ses premières expérimentations dans le Paris des années 1960 jusqu'aux monumentaux travaux récents, en passant par l'appropriation, la peinture radicale ou encore son rapport au cinéma expérimental. L'iconographie repose sur une série de prises de vues de grande qualité réalisées pendant l'exposition au MAMCO.
Couverture sérigraphiée avec de l'encre thermochromique, changeant de couleur à partir de 27,5°C (le lecteur imprime temporairement ses empreintes lorsqu'il manipule le livre).
Publié à l'occasion de l'exposition d'Olivier Mosset au MAMCO, Genève, du 25 février au 6 décembre 2020.
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Le sujet et le milieu ; huit essais sur les avant-gardes allemandes
Maria Stavrinaki
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 1 Janvier 2018
- 9782940159956
Penser les devenirs de l'art à travers les avant-gardes allemandes : Maria Stavrinaki offre une véritable leçon de regard à travers ces huit essais qui proposent des aperçus novateurs sur des artistes, des oeuvres et des mouvements majeurs (Hugo Ball, Max Beckmann, Marcel Breuer, Franz Marc, le Merzbau, l'expressionnisme et Dada...).
Les huit essais qui composent ce recueil proposent, de Max Beckmann à Hugo Ball, de Franz Marc à Marcel Breuer, de l'architecture expressionniste à Kurt Schwitters, une traversée des avant-gardes allemandes qui ne vise ni à leur célébration aveugle ni à leur critique systématique. Il s'agit plutôt pour l'auteure de prendre la mesure de leurs ambitions, de leurs réussites et de leurs impasses pour penser avec elles les devenirs de l'art. Pour ce faire, une attention toute particulière est consacrée aux éléments qui composent une oeuvre, un discours, une situation, lesquels sont examinés chaque fois comme formant des dispositifs ouverts, tantôt parfaitement cohérents et tantôt irrémédiablement aporétiques. Cette cohérence et ces apories sont la matière même de l'histoire, non pas comme un produit fini mais comme un exercice de la pensée. C'est ce que démontre ce livre qui, apportant des aperçus profondément novateurs sur des artistes majeurs, nous donne une véritable leçon de regard.
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Natacha lesueur - surfaces, merveilles et caprices
Thierry Davila
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 20 Octobre 2011
- 9782940159482
Depuis le début des années 1990, l'artiste française Natacha Lesueur invente un monde éminemment inscrit dans l'époque mais qui appartient aussi et profondément à la longue durée de l'histoire. Pour ce faire, elle utilise des ingrédients divers - toutes sortes d'aliments, de parures, de décors, de fantaisies et de merveilles - qu'elle accommode avec des parties du corps humain pour faire des images difficilement classables dans l'histoire de la photographie. Car si le corps, plus souvent celui de la femme que de l'homme, est un élément clé de cet univers virtuose, il ne permet pas, par exemple, de relier cette oeuvre aux pratiques corporelles aujourd'hui les plus connues et les mieux repérées (celles du body art, notamment) : quelque chose d'autre est en jeu dans ces « appétissantes » représentations que les classifications actuelles ne nous aident en aucune manièreà cerner et à épuiser. C'est ce que montre cette monographie - la première consacrée à l'artiste - qui propose un parcours visuel complet dans une oeuvre dont les développements récents sont aussi désarçonnants que les premières manifestations tout à la fois étranges, inquiétantes et attirantes parce que séduisantes. Du dégoût affleure à même la logique de la séduction, de la violence perle le long de décors élaborés avec une précision clinique, une fêlure profonde mine ces corps rarement photographiés dans leur entier car livrés à un morcellement insurmontable : voilà pour ce monde et ses aspects. Mais il y aussi une grande technicité mobilisée pour la confection de l'image, une invention qui confère à ces visions construites une singularité liée à leur étrangeté et leur capacité à surprendre : voilà pour leur appartenance actuelle à une forme - le caprice - profondément ancrée dans l'art et son histoire. De la photographie donc ou de son identité éminemment capricieuse.
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Martin Kippenberger ; Momas project
Martin Kippenberger
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 15 Février 2021
- 9782940656059
La première étude de l'ensemble des archives et des documents relatifs au musée d'artiste créé par Martin Kippenberger.
Créé en 1993 par l'artiste allemand Martin Kippenberger, le MOMAS (Museum of Modern Art Syros) est un musée d'artiste ouvert jusqu'en 1996 et situé sur l'île de Syros dans les Cyclades. Installé dans un bâtiment inachevé, Kippenberger y invitait ses amis artistes à y faire des projets et à y déposer des oeuvres. Cosima von Bonin, Hubert Kiecol, Stephen Prina, Christopher Wool (qui en réalisa la signalétique), Lukas Baumewerd, Michel Majerus, Michael Krebber, Heimo Zobernig furent parmi les artistes invités à intervenir dans un lieu destiné à un public fort réduit (une dizaine de personnes tout au plus).
Véritable critique de l'institution muséale, le MOMAS a fait l'objet de plans et de maquettes qui appartiennent à la collection du MAMCO. Ce livre est la première étude de l'ensemble des archives et des documents relatifs au MOMAS. L'ouvrage contient également des entretiens inédits avec plusieurs des artistes invités par Kippenberger à participer à son musée.
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Gordon Matta-Clark ; open house
Thierry Davila
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 13 Février 2020
- 9782940656004
Une analyse de l'oeuvre monumentale de Gordon Matta-Clark, la seule structure architecturale existante de l'artiste.
Pièce majeure de la collection du MAMCO de Genève, Open House, créée à l'origine à SoHo (New York) durant le printemps 1972, est la seule oeuvre de grande dimension de l'artiste américain Gordon Matta-Clark (1943-1978) conservée par une institution.
Il s'agit d'un container à l'intérieur duquel a été construit un labyrinthe fait de portes et de cloisons en bois récupérées.
Véritable manifeste esthétique, cette construction de fortune cristallise bien des prises de position assumées par son créateur, tant dans ses relations avec la sculpture que dans ses rapports critiques à l'architecture.
Elle est ici étudiée pour la première fois par trois auteur-e-s, Sophie Costes, Thierry Davila et Lydia Yee, qui en restituent toute la richesse et la complexité. Une façon de réaffirmer l'importance de la figure de Gordon Matta-Clark pour l'art des XXe et XXIe siècles.
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L'appartement
Lionel Bovier, Thierry Davila, Patricia Falguières, Ghislain Mollet-Vieville
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 13 Février 2020
- 9782940656011
Une analyse de la reconstitution du logement de Ghislain Mollet-Viéville, le plus important ensemble d'oeuvres d'art conceptuel et minimal en Suisse Romande.
Présent au MAMCO depuis l'ouverture de l'institution au public, L'Appartement est un espace particulier dans le parcours du musée. Il s'agit de la reconstitution de l'appartement de Ghislain Mollet-Viéville situé à l'origine au 26 de la rue Beaubourg à Paris. Occupé et aménagé par ce dernier de 1975 à 1991, ce lieu de vie était aussi un lieu d'échanges et d'exposition d'oeuvres précisément choisies. L'art minimal et conceptuel y tenaient une place essentielle pas simplement à travers des oeuvres mais aussi comme forme de vie. Désormais partie intégrante de la collection du MAMCO, L'Appartement propose, entre autres, des pièces de Donald Judd, Carl Andre, Claude Rutault, Art & Language, Joseph Kosuth, Lawrence Weiner et André Cadere. Cet ouvrage en est la présentation détaillée à travers un essai de Patricia Falguières, un entretien avec Ghislain Mollet-Viéville et une étude de chaque oeuvre par Thierry Davila. Il montre aussi combien collectionner signifie inventer un type singulier de fréquentation de l'art.
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Royden Rabinowitch
Sophie Costes, Alessandro Gallicchio
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 23 Février 2022
- 9782940656097
Une approche renouvelée de l'histoire de la sculpture et du post-minimalisme à partir du fonds Royden Rabinowitch du MAMCO.
Le MAMCO, qui a montré Royden Rabinowitch dès son ouverture publique en 1994, possède un ensemble d'une trentaine de ses oeuvres, composé essentiellement de sculptures en acier, mais aussi de dessins et de toiles, constituant l'un des plus importants ensembles appartenant à un seul et même artiste détenu par l'institution. Il est le moyen de connaître ce travail dans toute son ampleur et sa radicalité, celle d'un art post-minimaliste nourri par de multiples lectures et références, surtout liées aux mathématiques et à la géométrie.
Cet ensemble est amplement étudié pour la première fois dans cet ouvrage à travers un essai d'Alessandro Gallicchio et des notices détaillées de Sophie Costes, fournissant des outils de compréhension d'une vision de la sculpture qui offre une approche renouvelée de l'histoire de cette dernière à travers des constructions complexes et légères et à la fois. On y découvre une oeuvre conçue en séries qui mêle complexité et présence affirmée de la forme, le tout donnant à expérimenter la version profondément singulière et novatrice d'un art ascétique qui conteste nombre d'attendus du minimalisme.
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La traversée du XXe siècle ; Joseph Beuys, l’image et le souvenir
Jean-philippe Antoine
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 3 Novembre 2011
- 9782940159475
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Essais datés II ; adresses
Thierry de Duve
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 23 Février 2016
- 9782940159802
Ce deuxième volume des Essais datés de Thierry de Duve propose un ensemble de textes qui théorisent la question de l'adresse ou sont adressés à des interlocuteurs choisis, vivants ou morts, entre hommage et disputatio (Jacques-Alain Miller, Benjamin Buchloh, Marie-José Mondzain, Jean Clair, Jean-François Lyotard, Herman Parret, Mieke Bal, Daniel Arasse).
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L'écran comme mobile
Jean-louis Boissier
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 1 Octobre 2016
- 9782940159864
Faisant suite à La Relation comme forme - L'interactivité en art, ce second volume des écrits de Jean-Louis Boissier s'attache à l'analyse technique et esthétique des devenirs de l'écran.
L'écran, omniprésent dans notre environnement, devenu mobile et mobilisable, conduit à d'autres formes de relations. Ces implications artistiques de la mobilité effective, Jean-Louis Boissier en retrace l'histoire et l'actualité et en interroge implicitement le futur, en s'appuyant sur sa propre pratique expérimentale. Cela sur le mode d'un récit personnel dans lequel des figures essentielles comme celles de Jean-Luc Godard et de Chris Marker côtoient celle de Masaki Fujihata, artiste inventeur de médiums.
Voir aussi Vivre par(mi) les écrans.
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Partir a pernambouc
Maurice Pianzola
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 1 Mai 2004
- 9782940159178
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Peintre avant tout ; entretien avec Jean-Paul Jungo, écrits, oeuvres
Max Schoendorff
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 23 Février 2016
- 9782940159758
Un portrait du peintre composé d'un entretien au long cours avec Jean-Paul Jungo, d'une sélection d'écrits et de peintures et d'un carnet de dessins.
Si Max Schoendorff se considérait avant tout comme un peintre, ce livre montre combien sa personnalité continuellement aux aguets excellait dans bien d'autres domaines. Facteur de décors (au théâtre pour Roger Planchon et Jacques Rosner, au cinéma pour Jean-Marie Straub et Danièle Huillet), graveur, écrivain, grand et infatigable lecteur, interlocuteur aigu, il aura fait de chacune de ses activités le moyen d'une libre découverte de la vie de l'esprit. Ce livre tente de dresser son portrait en accueillant sa parole, d'abord, au long d'un entretien avec son collectionneur et ami Jean-Paul Jungo ; en lui laissant la plume, ensuite, avec laquelle il se livre à de brillants exercices d'admiration consacrés, entre autres, à Cagnacci, Sade, Duchamp, Klossowski, Rajak Ohanian ; en montrant son travail de peintre, enfin, qui le rendait définitivement singulier. On verra alors combien et comment, comme on pouvait le lire quelques jours après sa mort dans Le Monde, « sur toutes choses Max Schoendorff tenait l'autre discours ».
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Arnulf Rainer
Rainer Michael Mason
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 30 Juin 2020
- 9782940656035
Monographie dédiée à l'ensemble de 70 pièces d'Arnulf Rainer constituant le Fonds Michel Foëx, dont Rainer Michael Mason présente la première étude.
Le fonds du galeriste genevois Michael Foëx constitué par de nombreux travaux de l'artiste autrichien Arnulf Rainer a fait l'objet d'une donation au MAMCO de Genève en juillet. Elle se compose d'oeuvres sur papier (lithographie, taille-douce, photographie, dessin) réalisées entre 1966 et 1987. Ce livre, illustré de toutes les reproductions des oeuvres données, en est l'étude menée par Rainer Michael Mason, historien de l'art et ancien conservateur du Cabinet des estampes de Genève. Il représente un jalon dans les liens nourris par l'artiste avec l'arc lémanique et témoigne de sa fascination pour l'expressivité de la figure et la symbolique de la croix. Autant de points forts analysés par l'auteur à travers un ensemble d'oeuvres étudié pour la première fois.
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L'agence
Philippe Thomas
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 15 Février 2021
- 9782940656073
La première étude systématique et exhaustive de l'entreprise Les ready-made appartiennent à tout le monde® avec laquelle Philippe Thomas a remis radicalement en question la figure de l'auteur.
Créée par l'artiste français Philippe Thomas, l'agence de communication appelée readymades belong to everyone®, pour sa version américaine inaugurée en 1987 à New York, et les ready-made appartiennent à tout le monde®, pour sa version française, est une structure entrepreneuriale derrière laquelle disparaît l'artiste. Le MAMCO possède la totalité de cette agence dont l'activité a cessé en 1995.
Ce livre est la première étude systématique et exhaustive de cette entreprise qui a remis radicalement en question la figure de l'auteur. L'ouvrage contient aussi le dernier entretien inédit de Philippe Thomas qui permet de comprendre la profonde cohérence de son projet artistique.
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Bedroom ensemble II
Sylvie Fleury
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 15 Février 2021
- 9782940656066
L'installation Bedroom Ensemble II de Sylvie Fleury est composée de mobilier domestique où tous les meubles ont été recouverts de fausse fourrure, un matériau, récurrent dans l'oeuvre de l'artiste. Mais elle rend surtout hommage à un artiste qui a, lui aussi, élevé le prosaïsme d'objets dérisoires au rang de la sculpture monumentale : en 1963, Claes Oldenburg reconstituait, sous ce même titre, des chambres à coucher dont il déformait les perspectives pour en accentuer l'effet de profondeur et les déréaliser. Cet ouvrage est la première étude globale de cette installation mais tente aussi de la situer par rapport aux autres oeuvres que possède le MAMCO.
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Poésie concrète
Paul Bernard, Gabriele Detterer, Nannucci Maurizio
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 23 Février 2022
- 9782940656103
Un panorama international des pratiques liées à la poésie concrète et de leur diffusion à partir de la collection du MAMCO.
On désigne par « poésie concrète » une forme de poésie expérimentale qui ne fait appel ni à la syntaxe ni au rythme et considère le poème comme un objet sensible indépendamment de son sens. Depuis 2017, le MAMCO dédie un espace d'exposition permanent à ce mouvement à la fois artistique et littéraire qui se développe à partir des années 1950. Un mobilier, spécialement conçu pour ce cabinet, permet de rendre disponible au public ces poèmes choisis qui font de la lettre et du mot des entités morphologiques spatialisées. Cette programmation s'est d'abord nourrie de la collection Zona Archives élaborée par l'artiste Maurizio Nannucci à Florence. Ce fonds, dans lequel on trouve des figures artistiques majeures comme Ian Hamilton Finlay ou les Brésiliens Augusto et Haraldo de Campos, est l'un des plus importants consacrés à la poésie concrète et a été mis en valeur à Genève jusqu'en 2020 à travers plusieurs expositions qui ont permis d'en découvrir la richesse et l'ampleur. La même année, l'acquisition du fonds Steven Leiber, riche de près de 400 items, a consolidé l'existence de ce cabinet dans lequel a débuté une série d'expositions monographiques dont la première a été consacrée à Franz Mon.
C'est l'histoire récente de cet espace et de ce fonds que décrit cet ouvrage, à travers une introduction de Paul Bernard et un entretien avec Maurizio Nannucci. À cela s'ajoute le commentaire des travaux d'une dizaine d'artistes, afin de dresser un panorama international des pratiques liées à la poésie concrète et de leur diffusion.
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Essais datés I ; Duchampiana
Thierry de Duve
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 13 Novembre 2014
- 9782940159598
Le recueil des essais de Thierry de Duve sur Marcel Duchamp.
Écrits entre 1976 et 2012, les textes qui composent ce premier volume d'Essais datés concernent tous l'oeuvre de Marcel Duchamp et ses parages. Car si l'on connaît les livres que Thierry de Duve a consacrés à l'inventeur du readymade, on sait probablement moins qu'il n'a jamais cessé de publier, durant plus de quarante ans, en sus de ses travaux canoniques, des essais sur cette figure majeure de l'art du XXe siècle. Cet ouvrage est donc le résultat d'une longue et fidèle traversée, celle d'une oeuvre-clé dont un geste en particulier ne cesse de retenir l'auteur : celui qui conduisit Duchamp en 1917 à vouloir montrer Fontaine dans une exposition. L'analyse de ce coup de force, de ses conséquences passées, actuelles et à venir, n'exclut cependant pas ici d'autres vues sur d'autres audaces duchampiennes. De même, Thierry de Duve analyse un certain nombre de travaux qui sont dans une résonance explicite ou diffuse avec Duchamp, c'est-à-dire qui interrogent, approfondissent et en réalité réinventent sans cesse sa figure (Marcel Broodthaers, Bertrand Lavier, Sylvie Blocher). Une véritable constellation artistique se dessine qui met en jeu la valeur, l'autorité et l'impact du geste artistique décisif. De là le fait que ces essais réunis ne sont heureusement pas un panégyrique mais un usage exploratoire - et souvent même jubilatoire - de celui qui signait quelquefois ses courriers Duche. Ce volume est le premier d'une série de quatre qui aborderont diverses facettes de la théorie esthétique de Thierry de Duve et de sa vision de la modernité. Il reprend le principe des essais datés déjà en partie publiés à la fin des années 1980 qui demandaient à être profondément réorganisés et surtout complétés.
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Projectif ; essais sur l'oeuvre de Victor Burgin
Victor Burgin
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 23 Février 2016
- 9782940159734
Recueil d'essais consacrés à l'oeuvre de l'artiste, écrivain et théoricien anglais.
Victor Burgin s'est d'abord affirmé comme l'un des initiateurs de l'art conceptuel en participant aux événements fondateurs que furent des expositions comme « When Attitudes Become Form » (1969) et « Information » (1970). Son oeuvre muséale et ses écrits théoriques se concentrent, du point de vue formel, sur les relations de l'image et du texte, proposant de comprendre l'« image » sans la soumettre à sa pure dimension optique ni à sa pure dimension verbale. Du point de vue du contenu, Victor Burgin s'intéresse principalement à l'agencement affectif de l'espace et du lieu et au travail inconscient qui opère dans la formation des croyances et des valeurs. Alors qu'il a commencé par un travail photographique, il a, ces vingt dernières années, exploré le domaine qui sépare l'image fixe de l'image en mouvement. Les auteurs des quatre essais réunis dans ce livre s'appuient sur les récentes images projetées de Burgin comme sur des « objets qui permettent de penser » leur propre travail. Ainsi D. N. Rodowick réfléchit à un « nouveau type d'image-temps » représentant ce qu'il nomme une « crise de la nomination » touchant aux questions du mouvement, de l'image, de la mémoire et de l'histoire. Gülru Çakmak voit dans l'ancien café stambouliote qui forme le centre d'une oeuvre de Burgin le lieu d'une réflexion sur l'orientalisme et la politique culturelle de la modernité. Homay King élabore à partir de l'oeuvre une formulation du virtuel au prisme des pensées d'Henri Bergson et de Gilles Deleuze, tandis qu'Anthony Vidler considère les oeuvres de Burgin comme des modèles permettant d'interpréter « l'inconscient spatial de la modernité ». L'entretien de Victor Burgin avec David Campany, qui conclut l'ouvrage, montre comment l'artiste pense la relation de son travail à la sphère de la culture visuelle en général et à celle des « arts visuels » en particulier.
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Depuis 1993, Victor Burgin réalise des projections en images vidéo ou numériques. Ces oeuvres, comme toutes celles qu'il a élaborées depuis le début des années 1970, incluent une forte composante textuelle que ce livre propose d'apprécier indépendamment des images. Ici, publiés hors de leur contexte habituel, les scripts offrent au lecteur un autre type de projection, fantasmatique.
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Dé-finitions/méthodes ; 1973-2016
Claude Rutault
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 1 Octobre 2016
- 9782940159680
Recueil réunissant six cent cinquante-sept « définitions/méthodes », le protocole pictural au fondement de l'oeuvre de Claude Rutault et source d'une nouvelle forme textuelle.
(introduction) (...) peinture d'une famille et son évolution au fil des générations. le nombre des membres de la famille détermine le nombre de parties de l'oeuvre. par famille il faut entendre les différents modèles de structures familiales et leur évolution existant à ce jour dans le monde.
Le nombre de toiles de chaque membre de la famille est choisi d'un commun accord par les parents à l'initiative de l'oeuvre. une deux trois toiles pour chacun... parents et enfants à égalité. le père et la mère auront une toile de même surface mais la forme pourra être différente. une toile pour chaque enfant, dès la naissance.
Il est évident que les enfants devront attendre des années avant de participer à l'oeuvre. question d'éducation, de volonté, de patience, de conviction. aux parents d'organiser la mise en place de l'oeuvre et son évolution.
Les toiles des enfants devront rester en piles, visibles, en attente, jusqu'à ce qu'ils puissent réellement prendre en charge. l'âge de prise en charge peut varier d'un enfant à l'autre. chacun choisira alors une ou plusieurs toiles qui ne seront pas obligatoirement celles que les parents leur destinaient initialement. ils choisiront un ou plusieurs murs, des couleurs, un accrochage.
Ils actualiseront cette peinture en prenant appui avec au départ l'aide des parents, sur les règles habituelles des dé-finitions/méthodes.
Lorque les enfants quittent le foyer ils emportent leur(s) toile(s). l'histoire continue, ailleurs, autre. chaque enfant qui fonde un foyer poursuit l'histoire de la famille.
Par contre les enfants n'héritent pas des toiles de leurs parents. lorsque ceux-ci (...)
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Horizon mural - dessins 1989-2017
Pascal Pinaud
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 1 Mai 2018
- 9782940159925
Les dessins et oeuvres sur papier de Pascal Pinaud.
Les oeuvres sur papier de Pascal Pinaud laissent découvrir un lieu complexe d'élaboration au sein duquel s'éprouvent nombre de questions attachées à l'ensemble de sa production. Pourtant, si les travaux que l'artiste désigne du terme générique de dessins contribuent, à la manière de « tests » et de « prototypes », à la conception des grands formats, ils n'en définissent pas moins un corpus autonome, se donnant comme une oeuvre dans l'oeuvre, qui consiste en l'exploration per se des possibilités que le travail révèle dans le cours de son effectuation. Depuis l'hiver 1989-1990, cinq cents dessins, environ, ont ainsi alimenté une bonne trentaine de séries. Fondée sur le développement de chantiers ouverts, conduits de front, une telle démarche allie l'esprit de suite à l'improvisation, en vertu d'un opportunisme franc et fécond.
Afin de cerner les règles d'autonomie, de lisibilité et de diversité auxquelles obéissent, chez lui, les procédures de production, Pascal Pinaud se réfère significativement à la notion d'acte. S'agissant des liens que sa pratique entretient avec le sensible pris dans sa quotidienneté, il évoque les vertus du principe de réalité. L'artiste apparaît en cela comme un réaliste empirique, travaillant « dans l'esprit de l'abstraction », pour citer une formule chère à son ami Noël Dolla. Car, même si ses réalisations ne sont pas toujours ni tout à fait abstraites, les moyens qu'adopte Pinaud et les configurations qu'il élabore assument sans complexe l'héritage des abstractions historiques. La conception du dessin qui s'y fait jour n'indique en revanche aucun intérêt particulier pour les dons que l'on prête communément à ceux « qui savent dessiner », les voies de la référentialité procédant, chez l'artiste, d'un tout autre commerce avec le visible.
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Dissoudre les nuages
Peter Hutchinson
- Musee D'Art Moderne Et Contemporain De Geneve
- 13 Novembre 2014
- 9782940159673
Les écrits de l'une des figures majeures du Land Art.
Voici disponible pour la première fois en langue française la totalité des écrits composés entre 1966 et 1994, auxquels sont joints trois textes postérieurs à cette période, par l'artiste anglais Peter Hutchinson, une des figures majeures du Land Art. Écrits est bien le terme approprié pour qualifier ces textes - qui tiennent de la critique, du journal (journal d'art et de jardinage), de la botanique, tout autant que des récits de science-fiction ou du jeu avec les signes et le langage - car Hutchinson utilise la langue comme une matière à part entière, semblable en cela à tout écrivain véritable. Ce faisant, il nous donne à comprendre non seulement son travail avec et dans le paysage qu'il mène dans des territoires avant lui soustraits à la pratique artistique (les fonds sousmarins, les volcans), mais aussi l'époque dans laquelle il a commencé d'oeuvrer et les artistes dont il a été l'ami (Robert Smithson notamment).
La fantaisie, la liberté, l'audace, l'originalité dont témoigne cet ouvrage ont peu d'équivalent dans la littérature artistique actuelle. C'est que Peter Hutchinson est un authentique créateur c'est-à-dire un explorateur, un découvreur de mondes nouveaux et sans commune mesure avec ce qui, jusqu'à lui, était balisé. La préface de Gilles A. Tiberghien, spécialiste du Land Art, resitue ces textes dans la logique globale de l'oeuvre d'Hutchinson, laquelle est un véritable écosystème guidé par un souci du monde qui préfigure amplement les urgences écologiques actuelles. Là n'est pas la moindre des vertus de ce livre : il nous montre un artiste à l'oeuvre qui ne cesse pas d'être, par avance, notre contemporain.
